100 melhores filmes de terror segundo a crítica

the GOLEM (1920)

🕯️ Origens e expressionismo

1. The Cabinet of Dr. Caligari (1920) – Robert Wiene

2. Nosferatu (1922) – F. W. Murnau

3. Häxan (1922) – Benjamin Christensen

4. The Golem (1920) – Paul Wegener

5. Faust (1926) – F. W. Murnau

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🩸 Clássicos universais (anos 30–40)

The Wolf Man (1941) – 

6. Dracula (1931) – Tod Browning

7. Frankenstein (1931) – James Whale

8. The Bride of Frankenstein (1935) – James Whale

9. The Wolf Man (1941) – George Waggner

10. Cat People (1942) – Jacques Tourneur

11. I Walked with a Zombie (1943) – Jacques Tourneur

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🧠 Terror psicológico clássico

peeping_tom

12. Vampyr (1932) – Carl T. Dreyer

13. Psycho (1960) – Alfred Hitchcock

14. Peeping Tom (1960) – Michael Powell

15. Eyes Without a Face (1960) – Georges Franju

16. The Innocents (1961) – Jack Clayton

17. Repulsion (1965) – Roman Polanski

18. Rosemary’s Baby (1968) – Roman Polanski

19. Don’t Look Now (1973) – Nicolas Roeg

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🧛‍♂️ Gótico europeu e Hammer

KILL, BABY... KILL! 

20. Horror of Dracula (1958) – Terence Fisher

21. The Devil Rides Out (1968) – Terence Fisher

22. Black Sunday (1960) – Mario Bava

23. The Whip and the Body (1963) – Mario Bava

24. Blood and Black Lace (1964) – Mario Bava

25. Kill, Baby… Kill! (1966) – Mario Bava

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🌲 Folk horror

Blood on Satan

26. Witchfinder General (1968) – Michael Reeves

27. Blood on Satan’s Claw (1971) – Piers Haggard

28. The Wicker Man (1973) – Robin Hardy

29. Viy (1967) – Ershov / Kropachyov

30. The White Reindeer (1952) – Erik Blomberg

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🔪 Giallo e horror italiano

Lizard in a Woman’s Skin 

31. Deep Red (1975) – Dario Argento

32. Suspiria (1977) – Dario Argento

33. Inferno (1980) – Dario Argento

34. Tenebrae (1982) – Dario Argento

35. Don’t Torture a Duckling (1972) – Lucio Fulci

36. A Lizard in a Woman’s Skin (1971) – Lucio Fulci

37. The House with Laughing Windows (1976) – Pupi Avati

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🧟‍♂️ Horror moderno (anos 60–80)

The Texas Chain Saw Massacre 

38. Night of the Living Dead (1968) – George A. Romero

39. The Exorcist (1973) – William Friedkin

40. The Texas Chain Saw Massacre (1974) – Tobe Hooper

41. Jaws (1975) – Steven Spielberg

42. Carrie (1976) – Brian De Palma

43. Halloween (1978) – John Carpenter

44. Dawn of the Dead (1978) – George A. Romero

45. Alien (1979) – Ridley Scott

46. The Shining (1980) – Stanley Kubrick

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🩸 Corpo, gore e transgressão

The Beyond (1981) 

47. Zombie (1979) – Lucio Fulci

48. The Beyond (1981) – Lucio Fulci

49. City of the Living Dead (1980) – Lucio Fulci

50. The Fly (1986) – David Cronenberg

51. Videodrome (1983) – David Cronenberg

52. Scanners (1981) – David Cronenberg

53. Possession (1981) – Andrzej Żuławski

54. Eraserhead (1977) – David Lynch

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🧠 Horror existencial e autoral

Funny Games

55. The Vanishing (1988) – George Sluizer

56. Funny Games (1997) – Michael Haneke

57. Cure (1997) – Kiyoshi Kurosawa

58. Pulse (2001) – Kiyoshi Kurosawa

59. Antichrist (2009) – Lars von Trier

60. The House That Jack Built (2018) – Lars von Trier

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🩸 Horror erótico europeu

61. Vampyros Lesbos (1971) – Jesús Franco

62. Female Vampire (1973) – Jesús Franco

63. A Virgin Among the Living Dead (1973) – Jesús Franco

64. She Killed in Ecstasy (1971) – Jesús Franco

65. Lips of Blood (1975) – Jean Rollin

66. The Living Dead Girl (1982) – Jean Rollin

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🌏 Horror asiático

67. Kwaidan (1964) – Masaki Kobayashi

68. Onibaba (1964) – Kaneto Shindō

69. Kuroneko (1968) – Kaneto Shindō

70. Ringu (1998) – Hideo Nakata

71. Audition (1999) – Takashi Miike

72. Noroi: The Curse (2005) – Kōji Shiraishi

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🧠 Horror contemporâneo (anos 2000–2020)

73. The Others (2001) – Alejandro Amenábar

74. The Orphanage (2007) – J. A. Bayona

75. Let the Right One In (2008) – Tomas Alfredson

76. Martyrs (2008) – Pascal Laugier

77. The Devil’s Backbone (2001) – Guillermo del Toro

78. The Babadook (2014) – Jennifer Kent

79. It Follows (2014) – David Robert Mitchell

80. The Witch (2015) – Robert Eggers

81. Get Out (2017) – Jordan Peele

82. Hereditary (2018) – Ari Aster

83. Midsommar (2019) – Ari Aster

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🖤 Horror radical e recente

84. Raw (2016) – Julia Ducournau

85. Titane (2021) – Julia Ducournau

86. Saint Maud (2019) – Rose Glass

87. Under the Skin (2013) – Jonathan Glazer

88. The Lighthouse (2019) – Robert Eggers

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🧟‍♂️ Fechamento do cânone

89. The Silence of the Lambs (1991) – Jonathan Demme

90. The Blair Witch Project (1999) – Myrick / Sánchez

91. The Sixth Sense (1999) – M. Night Shyamalan

92. Who Can Kill a Child? (1976) – Narciso Ibáñez Serrador

93. The Brood (1979) – David Cronenberg

94. The Changeling (1980) – Peter Medak

95. Invasion of the Body Snatchers (1978) – Philip Kaufman

96. Don’t Look in the Basement (1973) – S. F. Brownrigg

97. The Omen (1976) – Richard Donner

98. The Haunting (1963) – Robert Wise

99. Angel Heart (1987) – Alan Parker

100. The Devil Rides Out (1968) – Terence Fisher

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Lareiras da Villa Della Torre Allegrini – Fumane, Itália

A Villa Della Torre Allegrini, localizada em Fumane, na região de Valpolicella (próximo a Verona), é uma das mais impressionantes vilas renascentistas do norte da Itália. Entre seus elementos mais famosos estão os grandes lareiras monumentais, que vão muito além da função prática e se afirmam como verdadeiras obras de arte escultóricas.

🔥 As lareiras

A villa abriga quatro lareiras monumentais, conhecidas por seu caráter expressivo e quase inquietante. Elas são esculpidas em pedra e apresentam máscaras grotescas (mascheroni), figuras mitológicas, rostos distorcidos, animais simbólicos e criaturas fantásticas — incluindo leões e faces demoníacas.

Essas lareiras impressionam pelo tamanho e pela teatralidade: a boca do fogo frequentemente coincide com a boca das figuras esculpidas, criando a sensação de que o fogo “nasce” da criatura. O efeito visual é poderoso e, até hoje, causa impacto nos visitantes.

🎭 

No contexto do Renascimento, o grotesco não era apenas decorativo. As figuras das lareiras dialogam com temas como:

• o poder da natureza e do fogo,

• a dualidade entre razão e instinto,

• referências à mitologia clássica e ao imaginário romano.

Esse tipo de ornamentação refletia o gosto humanista da época, em que arquitetura, escultura e simbolismo se fundiam para provocar reflexão e emoção em quem ocupava o espaço.

🏛️ 

A villa foi projetada no século XVI, atribuída a Giulio Romano ou ao seu círculo, e alguns estudiosos relacionam as lareiras a artistas ligados à tradição escultórica maneirista do norte da Itália, como Giovan Battista Scultori. Elas fazem parte de um programa decorativo mais amplo, que transforma o edifício quase num “teatro de pedra”.

🍷 

Atualmente, a Villa Della Torre pertence à família Allegrini, referência internacional na produção de vinhos. O espaço é usado para eventos, experiências enogastronômicas e visitas guiadas, nas quais as lareiras continuam sendo um dos pontos mais fotografados e comentados.

✨ 

As lareiras da Villa Della Torre Allegrini não são apenas elementos arquitetônicos:

são esculturas simbólicas, carregadas de dramatismo, que condensam o espírito renascentista — beleza, erudição, estranhamento e poder — em torno do fogo, elemento central da vida doméstica e do imaginário da época.

Underground - Sheldon Renan 1967 Ed. lidador

 

Trata-se de um objeto editorial bastante revelador do momento em que o cinema underground começa a ser sistematizado como campo de estudo, sobretudo no Brasil.

A capa de Underground – uma introdução ao cinema underground, de Sheldon Renan, aposta numa estética claramente alinhada ao espírito que o livro descreve:

• Imagem fragmentada de um rosto feminino, em alto contraste, quase “rasgada”, remetendo à colagem, ao experimentalismo e à recusa da imagem clássica e íntegra do cinema industrial.

• O uso do roxo/magenta no título reforça a associação com contracultura, psicodelia e artes marginais dos anos 1960 e 1970.

• A tipografia irregular de “UNDERGROUND” sugere ruptura, informalidade e um certo gesto de afronta gráfica ao design editorial tradicional.

• Há um diálogo visual direto com o cinema de vanguarda americano, o cinema experimental, o Warhol dos Screen Tests, o Jonas Mekas diarístico, e até com a iconografia da imprensa alternativa.

A capa, portanto, não é apenas ilustrativa: ela performativiza o conceito de underground.

O texto da contracapa é especialmente significativo porque revela a recepção histórica do tema no Brasil:

• O livro é apresentado como o “primeiro estudo fluente” sobre o filme underground americano, o que indica um esforço de legitimação acadêmica e crítica.

• O discurso equilibra entusiasmo (“excitante campo novo da expressão artística”) e cautela institucional (“sujeita a controvérsias”), típico de quando práticas marginais começam a entrar no circuito editorial.

• Renan é descrito como alguém que:

  • Analisa subjetividade, técnica, estilo e processos de produção;

  • Constrói uma história geral do avant-garde americano;

  • Cataloga carreiras, créditos e filmografias de 26 realizadores centrais, o que dá ao livro um valor documental enorme;

  • Discute a tensão entre underground e “establishment”, tema crucial para entender a absorção do experimental pelo mercado e pelos museus.

• A menção ao futuro do cinema e aos “filmes cibernéticos” denuncia o otimismo tecnológico típico do período, antecipando debates que hoje associamos à videoarte, cinema expandido e mídias digitais.

Este livro ocupa um lugar-chave porque:

• Funciona como ponte entre contracultura e crítica formal.

• Ajuda a explicar como o cinema underground deixou de ser apenas prática marginal para se tornar objeto de arquivo, teoria e canonização.

• Para quem estuda cinema de gênero, experimental ou mesmo o diálogo entre horror, vanguarda e transgressão, Renan é fundamental, especialmente na leitura de cineastas como:

  • Andy Warhol

  • Jack Smith

  • Kenneth Anger

  • Stan Brakhage

Em síntese

É um livro que:

• Não apenas explica o cinema underground,

• Mas encena editorialmente seus valores,

• E marca um momento em que o marginal começa a ser historicizado sem perder totalmente seu caráter subversivo.

Para pesquisa, crítica ou reflexão histórica, trata-se de um volume canônico e ainda muito atual, especialmente quando relido à luz da institucionalização contemporânea do experimental e do “cinema de borda”.

Por onde anda a Konga? A nostalgia dos antigos parques de diversões.

konga - atração do  Tivoli Park da Lagoa (Rio)

 A história de Konga, a Mulher-Gorila, é uma das atrações mais icônicas e nostálgicas dos parques de diversões itinerantes e parques fixos (como no  Tivoli Park da Lagoa ).

O show era um exemplo clássico de "ilusionismo de feira" que misturava terror, suspense e efeitos visuais simples, mas muito eficazes para a época.

Como funcionava o espetáculo?

O show geralmente seguia um roteiro coreografado para causar o máximo de susto:

A Narrativa: Um apresentador (o "pitman") contava uma história trágica sobre uma linda mulher que teria sido capturada em uma expedição na selva e vítima de uma maldição ou experimento genético.

A Jaula: O público entrava em uma sala escura e via, atrás de uma grade ou vidro, uma mulher sentada e acorrentada.

A Metamorfose: Sob luzes estroboscópicas e fumaça, a mulher começava a se transformar lentamente em um gorila peludo e feroz.

O Ápice: O gorila, agora furioso, "quebrava" as grades da jaula e avançava em direção ao público, fazendo todos correrem desesperados para a saída.

O Segredo por trás do truque

O efeito visual era baseado em uma técnica de ilusionismo do século 19 chamada Pepper's Ghost (O Fantasma de Pepper).

Espelhos e Luz: Havia um vidro inclinado entre o público e a cena. A "mulher" e o "gorila" estavam em posições diferentes.

Transição: Quando as luzes sobre a mulher diminuíam e as luzes sobre o ator fantasiado de gorila aumentavam, o reflexo no vidro criava a ilusão de que um corpo estava se transformando no outro.

O Legado Cultural

No Brasil, a Konga se tornou um símbolo dos parques das décadas de 70, 80 e 90. Ela representava o "terror acessível" e é uma das memórias afetivas mais fortes de quem frequentava parques de diversões.

Marcelo Bulgarelli via IA

 

Mama Cass Elliot

Ao longo de sua carreira, Cass Elliot teve que enfrentar uma gordofobia cruel, constante e generalizada. Ela tentava usar o humor e rir da situação, lembrou sua amiga Sue Cameron: “Ela escondia isso. Ela era a 'engraçadinha'. Era horrível para ela ser vista como 'a gorda' e Michelle [Phillips] como a bonita. As pessoas diziam isso na cara da Cass. Ela tinha que engolir o choro e rir.” Cass chegou a ser alvo de chacotas nas músicas de sua própria banda: “Ninguém engorda, exceto a Mama Cass”, cantavam os Mamas & the Papas em sua música “Creeque Alley”, de 1967.

Corre o boato de que, no início, a banda não a queria por ela estar acima do peso. O fundador do quarteto, John Phillips, confessou que a pressão dos colegas para emagrecer afetou Cass, levando-a a fazer dietas tão extremas quanto perigosas. Essas dietas acabaram danificando irremediavelmente seu sistema cardiovascular. Em 1968, depois de jejuar quatro dias por semana e perder até 55 quilos (cerca de 121 libras), Elliot foi internada no hospital. "Sou gorda desde os sete anos e ser gorda te diferencia dos outros", disse ela.

"Inventei uma nova dieta fabulosa. Custa apenas US$ 2.000 por cada quilo perdido. Ela também enfraquece sua resistência natural a doenças. Não posso garantir, mas a Dieta da Mama Cass pode causar amigdalite aguda, hemorragia nas cordas vocais, mononucleose e um caso perigoso de hepatite. Pelo menos foi o que aconteceu comigo. Perdi minha saúde — e mais de um quarto de milhão de dólares em ganhos como cantora."

Cass  em 1969

Neste artigo de março de 1969 da revista The Ladies Home Journal , Mama Cass era ao mesmo tempo atrevida e dolorosamente sincera ao falar sobre sua abordagem pouco saudável para perder peso. Ela poderia ter optado por manter seus problemas de saúde em segredo, mas obviamente escolheu a autenticidade. Ela admitiu que não consultou um médico sobre sua abordagem drástica para emagrecer porque sabia que se privar de comida "era errado" e que "estava com pressa para pesar 50 quilos".

Embora em 1969 a maioria dos americanos ainda não estivesse acima do peso ou obesa e mantivesse a boa forma com uma dieta e estilo de vida regulares (sem perda de peso), dietas da moda, jejum, gomas de mascar com truques, divãs milagrosos e drogas perigosas estavam ganhando popularidade. Eram iscas perigosas e/ou caras oferecidas àqueles que realmente precisavam de ajuda.

Sue Cameron, que trabalhava como jornalista para o The Hollywood Reporter na época, escreveu o artigo que ligava a morte de sua amiga ao sanduíche de presunto. Ela foi contratada pelo empresário da cantora, Allan Carr, que tentava salvar a reputação da artista e evitar hipóteses que associassem a morte súbita de Cass ao uso de drogas. A autópsia não encontrou narcóticos em seu organismo, nem restos de comida presos em sua boca ou traqueia. “Muitas pessoas não percebem que [a história do sanduíche de presunto] nem sequer é verdade. Mesmo eu tendo dito — e escrito — que não é verdade, ela continua circulando. Nunca imaginei que duraria tanto tempo”, diz Cameron, em tom de desculpas.

Ringo Starr

Em 19 de maio de 1980, Ringo Starr se envolveu em um terrível acidente de carro que quase tirou a vida do baterista e de sua esposa, Barbara Bach. Em circunstâncias assustadoras, o acidente ocorreu a apenas 800 metros do local do acidente fatal de Marc Bolan, ocorrido apenas três anos antes.

Bolan, que também era amigo íntimo de Ringo Starr, tornou a coincidência ainda mais bizarra. O ex-Beatle, tão próximo da família Bolan, é inclusive padrinho de seu filho, Rolan. Felizmente, porém, Starr não sofreu o mesmo destino, mas a história poderia facilmente ter sido bem diferente.

O casal, que se dirigia para uma festa em Surrey, tentava atravessar o nevoeiro quando ocorreu o acidente catastrófico. Ao se aproximarem de um ponto crítico na rotunda Robin Hood, na A3, onde uma colisão terrível destruiria completamente a Mercedes branca de Starr, ele teve que desviar, a 96 km/h, para evitar uma colisão com um caminhão que vinha na direção oposta. Sua manobra evasiva fez com que o carro derrapasse por cerca de 45 metros, resultando na colisão frontal do supercarro contra dois postes de iluminação.

Apesar da lesão na perna sofrida por Ringo, ele heroicamente tirou Barbara do carro e a salvou. Depois de retirá-la, Starr, de forma cômica, voltou para seu carro destruído para pegar um maço de cigarros, como um verdadeiro astro do rock. Felizmente, ambos saíram ilesos do acidente, com apenas ferimentos leves.

The Mercedes was a total loss and written off. Following the accident, the couple had the wrecked car crushed into an artistic cube and converted it into a unique coffee table for their home, serving as a reminder of their lucky escape.

The near-fatal experience reportedly brought Starr and Bach closer together, and they married the following year.

Adjuntos:

Eduardo Cavallari

O Encontros com a Imprensa segue como um espaço de escuta e memória da comunicação em Maringá, reunindo histórias de quem constrói o jornalismo no dia a dia. Nesta edição, o jornalista Marcelo Bulgarelli recebe o cinegrafista Carlos Eduardo Moraes Cavallari para uma conversa franca sobre trajetória, bastidores e os desafios da profissão.

Nascido e criado em Maringá, Cavallari carrega no humor a marca de suas origens. “Como diria meu pai, nasci e fui mal criado aqui”, brinca, ao relembrar a infância na região próxima à antiga perimetral. A cidade, segundo ele, não é apenas cenário, mas parte essencial de sua formação pessoal e profissional.

O interesse pela comunicação surgiu cedo, ainda na infância, por meio da fotografia. Antes, porém, houve uma tentativa frustrada na Agronomia, na Universidade Estadual de Maringá (UEM). A virada veio em 2002, quando ingressou no curso de Jornalismo, concluído em 2006, seguido de uma pós-graduação em fotografia na Universidade Estadual de Londrina (UEL).

Foi durante esse período que começou a vivenciar a prática da comunicação, conciliando estudos com trabalhos em emissoras como a RIC TV e a Jovem Pan. A rotina intensa, dividida entre Maringá e Londrina, moldou um profissional habituado à chamada “jornada dobrada”, comum no início de carreira.

Embora tenha começado na fotografia, Cavallari rapidamente abraçou a cinegrafia. A oportunidade surgiu ainda na faculdade, ao trabalhar em um programa voltado ao agronegócio, onde filmava rodeios e eventos rurais. “Recebia pouco, mas era experiência”, resume, com sinceridade.

Ao longo dos anos, construiu uma visão crítica sobre o jornalismo e o mundo. Para ele, não é possível exercer a profissão sem questionamento. “Se alguém está ganhando demais, alguém está perdendo. Nunca é igualitário”, afirma, destacando a importância de um olhar atento e ético na produção das notícias.

Essa postura já o colocou diante de situações delicadas. Em Londrina, participou de uma reportagem que ajudou a expor um caso de nepotismo, com desdobramentos judiciais. Também enfrentou momentos de tensão em coberturas políticas, com ameaças e hostilidade. “Você está ali para informar, não para apanhar”, resume.

Apesar dos riscos, Cavallari valoriza o impacto social do jornalismo. Entre as reportagens mais marcantes, cita o registro de um parto e a história de uma criança com autismo que teve a vida transformada após acesso a tratamento com canabidiol. “São histórias que ficam com você”, diz.

Ao refletir sobre as mudanças na profissão, ele aponta transformações profundas: jornadas mais longas, equipes reduzidas e maior demanda por conteúdo ao vivo. “Hoje se faz mais com menos gente”, observa. Para ele, o furo jornalístico perdeu espaço para a agilidade e a capacidade de contextualizar informações.

A relação entre cinegrafista e repórter, segundo Cavallari, deve ser baseada em leveza e parceria. “Se não tiver bom humor, não funciona”, afirma. Ele também destaca a importância da troca constante entre os profissionais, reconhecendo o aprendizado mútuo no cotidiano das redações.

Sobre o futuro, acredita na consolidação do modelo de vídeo-repórter, embora ressalte os desafios. “Exige muito mais do profissional. Você precisa fazer tudo ao mesmo tempo”, explica. Ainda assim, defende que o trabalho em equipe continua essencial para uma cobertura de qualidade.

Ao final, deixa um conselho direto aos estudantes de comunicação: experimentar sem medo. “Tentem tudo. Não tenham vergonha de perguntar, de chegar nas pessoas. O jornalismo é isso: curiosidade e coragem”, afirma. Uma síntese de quem construiu a carreira na prática e segue aprendendo todos os dias.

 Aperte o play e acompanhe essa conversa no Encontros com a Imprensa.

Encontros com a Imprensa” é um programa semanal apresentado por Marcelo Bulgarelli que reúne jornalistas, repórteres, fotógrafos, radialistas, cinegrafistas e colunistas para celebrar suas histórias mais marcantes. O programa vai ao ar todas as sextas-feiras, às 13h, e aos sábados, às 16h, na rádio UEM FM 106,9, no YouTube da UEM TV e no Spotify.

Outros episódios no   Spotify.: 

Alexandre Gaioto • Amarildo Legal • Andreia Silva •  Anelize Camargo 

 Andye Iore -Antonio Carlos Moretti • Antonio Roberto de Paula - Brenda Caramaschi •

Bruno Peruka • Claudio Galetti • Claudio Viola -  Creval Sabino

Dayane Barbosa • Diniz Neto - Dirceu Herrero • Edilson Pereira • Eduardo Xavier • Eduardo Cavallari -

Elaine Guarnieri

• Edvaldo Magro  • Everton Barbosa • Gilson Aguiar • Ivan Amorim •

Juliane Guzzoni • Kris Schornobay • Leonardo Filho • Luiz de Carvalho - Marcos Zanatta - Marilayde Costa --

Messias Mendes • Milton Ravagnani - Natália Garay

PauloPupim • Rachel Coelho - Regina Daefiol • Ricardo de Jesus Souza, o Salsicha •Roberta Pitarelli-

Robson Jardim - Ronaldo Nezo - - Rogério Recco - Rose Leonel -

Sandro Ivanovski • Sérgio Mendes e Rose Machado

Solange Riuzim • Thaís Santana • Valdete da Graça •

Vanessa Bellei • Victor Ramalho -Victor Simião -