O Livro Negro do Satanismo

 Revista Planeta, publicada pela Editora Três.

A Revista Planeta foi um marco no Brasil, focada em temas como ufologia, parapsicologia, esoterismo e mistérios da história. Esta edição específica, intitulada "O Livro Negro do Satanismo", faz parte de uma série de "Especiais" que aprofundavam temas polêmicos para a época.

• O Autor (Babu Sotito Jaideux): Este é um pseudônimo de José Maria Alkmin Filho. Ele foi uma figura central no esoterismo brasileiro daquela época, escrevendo diversos livros sobre magia negra, rituais e ocultismo. Sua escrita era conhecida por ser direta e, muitas vezes, sensacionalista para atrair o público curioso.

• Conteúdo Prometido: A capa lista rituais "secretos", o papel das sacerdotisas e detalhes práticos sobre o culto (materiais, orações e invocações). Na prática, essas publicações funcionavam como um compêndio de curiosidades históricas misturadas com práticas de "magia cerimonial".

• Estética Visual: A ilustração central, com a figura humanoide de chifres e olhos penetrantes, reflete o estilo psicodélico e sombrio das artes gráficas dos anos 70. O uso da cruz invertida ao fundo era o símbolo máximo de transgressão visual para o período.

Hoje, itens como este são considerados objetos de colecionador e documentos históricos sobre como o ocultismo era percebido e consumido pelo público geral no Brasil pré-internet.

Nota: É importante diferenciar o conteúdo dessa revista (que foca em uma visão mais "teatral" e ritualística do Diabo) das vertentes modernas do Satanismo, como a de Anton LaVey ou o Templo Satânico, que são mais voltadas para o individualismo e o ateísmo filosófico.

Stephen Sayadian

 

Stephen Sayadian, muitas vezes creditado sob o pseudônimo Kirdy Stevens. Elas fazem parte de uma série maior que explora a estética suburbana americana com um toque de estranheza e desconforto, características marcantes de sua obra.

Sayadian é mestre em capturar o que se convencionou chamar de "American Weird" (o bizarro americano). : A justaposição de elementos comuns em contextos bizarros cria uma sensação de "o estranho no ninho" (uncanny).

1.  (Patins e o Carrinho de Bebê): Esta imagem captura um momento de transição e absurdo. Vemos duas mulheres de patins (estética típica do final dos anos 70/início dos 80) empurrando um carrinho de bebê no asfalto. A cena é emoldurada como se estivéssemos observando-as de dentro de um carro, adicionando uma camada de voyeurismo. O letreiro de cerveja no fundo completa a cena, misturando inocência (patins, bebê) com um ambiente adulto e possivelmente degradado.

2. O Hambúrguer Gigante  Esta é a mais icônica e surreal das três. Um objeto de publicidade de fast-food (o hambúrguer gigante, símbolo do consumismo americano) está plantado em um gramado residencial suburbano. O homem no fundo, com óculos e gravata borboleta, e a mulher em primeiro plano, cobrindo o rosto em um gesto que pode ser de vergonha, exaustão ou até choro, criam um quadro de alienação total. É a promessa da "felicidade americana" que se revela uma fraude bizarra.

3. 3 (A Mulher e o Fotógrafo): Esta cena é pura tensão narrativa. A mulher está sentada em uma pose vulnerável, quase escondida pela vegetação. O homem em pé, fumando e segurando uma câmera (aparentemente uma Polaroid), parece um vigia ou um observador intrusivo. O contraste entre a natureza densa e a figura masculina rígida cria uma atmosfera de filme noir ou de suspense psicossomático.

O impacto cultural de Spielberg em 1977 - Contatos Imediatos de Terceiro Grau

CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND | 1977 dir. Steven Spielberg

 O título do filme vem da classificação criada pelo astrônomo e ufólogo J. Allen Hynek.

1º Grau: Avistamento de luzes.

2º Grau: Evidências físicas (marcas no solo, interferência em rádio).

3º Grau: Contato real com seres biológicos.

Curiosidade: O próprio Dr. Hynek faz uma pequena aparição (cameo) no final do filme, fumando um cachimbo entre a multidão que observa a nave.

Diferente de outros filmes de "invasão", aqui os alienígenas não usam armas, mas arte. As cinco notas musicais icônicas (compostas por John Williams) e os painéis de luzes coloridas foram a forma que Spielberg encontrou para mostrar que a matemática e a música são as linguagens universais.

Fato técnico: A sequência musical foi baseada no conceito de "solfejo" e sinais de mão de Curwen, uma técnica de ensino musical.

3. A Presença de François Truffaut

Um dos maiores trunfos culturais do filme foi a escalação de François Truffaut, um dos líderes da Nouvelle Vague francesa, para o papel do cientista Claude Lacombe. Foi o único filme em que Truffaut atuou fora de suas próprias produções, simbolizando a união entre o cinema de arte europeu e o blockbuster americano.

4. A Obsessão de Roy Neary (Richard Dreyfuss)

O filme aborda o lado obscuro da curiosidade: Roy Neary fica tão obcecado pelas visões da Devil's Tower (a montanha de Wyoming) que abandona sua família. É um retrato cru de como um "contato" mudaria a psique humana, transformando cidadãos comuns em visionários (ou loucos).

Peter Driben: O mestre das Pin-ups que coloriu a era das revistas Pulp

• Peter Driben (1903–1968) foi um dos ilustradores de pin-ups mais prolíficos da história dos EUA. Seu trabalho é facilmente reconhecido pelas cores vibrantes e pelo estilo levemente "boneca" das modelos.

  
  
  

•  Ele era o artista principal de revistas pulp famosas como Titter, Wink e Whisper. Essas publicações eram as antecessoras espirituais da cultura de entretenimento rápido e visualmente provocativo que viria a definir os cartazes de cinema dos anos 70.

•  A ilustração faz parte de uma série de calendário. O tema aqui é o contraste "Quente vs. Frio". Para representar o mês de Janeiro (inverno rigoroso no hemisfério norte), a modelo está sentada sobre um radiador de calefação.

  
  
  
  
  
  
  
  
  

• Paleta de Cores: Driben utiliza cores complementares para criar impacto visual imediato:

  • O Vermelho da lingerie atrai o olhar para o centro e sugere "calor".

  • O Azul/Verde do fundo e do cachecol reforça a ideia de um ambiente frio, fazendo a figura feminina "saltar" da imagem.

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Barbara Eden

I Dream Of Jeannie
Jeannie or the Tiger

Barbara Eden (nascida Barbara Jean Morehead em 1931) é uma das figuras mais icônicas da televisão norte-americana, imortalizada mundialmente como a protagonista da série Jeannie é um Gênio (I Dream of Jeannie, 1965-1970). Sua interpretação da carismática gênia de 2.000 anos que chamava o astronauta Tony Nelson de "Amo" cativou gerações, transformando-a em um símbolo duradouro da cultura pop. Antes do estrelato na série, ela já havia ganhado destaque como Miss San Francisco em 1951 e participado de programas clássicos como I Love Lucy.

 

No cinema, Eden demonstrou grande versatilidade ao atuar ao lado de astros como Elvis Presley no faroeste Estrela de Fogo (Flaming Star, 1960) e participar da fantasia As Sete Faces do Dr. Lao (1964). Outro marco de sua trajetória foi o filme e posterior série A Revolta de Harper Valley (Harper Valley PTA), onde interpretou a audaciosa Stella Johnson. Sua filmografia também inclui o suspense Viagem ao Fundo do Mar (1961) e participações em produções famosas como a série Dallas. 

Sua vida pessoal foi marcada por sucessos profissionais e desafios profundos, como a perda prematura de seu único filho, Matthew Ansara, em 2001. Em 2011, a atriz lançou sua autobiografia, Jeannie Out of the Bottle, na qual compartilha detalhes sobre os bastidores de Hollywood, sua rotina de cuidados com a saúde e a forma como equilibrou a fama com as adversidades da vida real. O livro revelou uma mulher resiliente por trás da imagem mágica da televisão. 

Atualmente, aos 94 anos, Barbara Eden permanece como uma das últimas grandes lendas vivas da Era de Ouro da TV, mantendo-se ativa com o lançamento de calendários oficiais para 2026 e presença constante em eventos de fãs. Ela é amplamente celebrada por sua vitalidade e pela gentileza com que preserva o legado de sua personagem mais famosa, provando que seu carisma transcende as décadas e continua a inspirar o público contemporâneo.

A Geometria do Nu: A fotografia orgânica de Shuki Laufer

 Shuki Laufer é um fotógrafo israelense contemporâneo que, seguindo a linha dos nomes que você mencionou anteriormente, é amplamente reconhecido no nicho de nu artístico (Fine Art Nude) e fotografia de retratos em locações naturais.

Seu trabalho é caracterizado por uma estética limpa e uma forte conexão entre a forma humana e as texturas da natureza. Aqui estão os pontos principais sobre o seu perfil:

1. Estilo e Estética

O trabalho de Laufer é focado na simplicidade e no minimalismo. Ao contrário de produções de moda complexas, ele prefere composições orgânicas:

• Luz Natural: Ele é um mestre no uso da luz do sol, especialmente durante a "hora dourada", para destacar as linhas e curvas do corpo humano.

• Integração com a Natureza: Uma marca registrada de suas fotos é a interação entre os modelos e elementos como rochas, areia, dunas e o mar. Ele utiliza as texturas do ambiente para criar um contraste visual com a suavidade da pele.

2. Localizações Emblemáticas

Baseado em Israel, Laufer utiliza muito as paisagens geográficas únicas da região para compor suas imagens:

• O Deserto e o Mar: O deserto do Neguev e as costas do Mar Mediterrâneo ou Mar Morto servem frequentemente como seus "estúdios" ao ar livre, proporcionando uma paleta de cores terrosas e neutras que definem sua identidade visual.

  

3. Presença Digital e Alcance

Assim como Nikolai Sklobovsky, Shuki Laufer possui uma presença muito forte na plataforma YouPic, onde é considerado um dos fotógrafos mais populares e inspiradores no gênero artístico.

• Ele utiliza as redes sociais para exibir portfólios que celebram a estética do corpo sem artifícios, focando na pureza da forma.

  

• Seu trabalho atrai tanto admiradores da fotografia técnica quanto modelos que buscam uma abordagem artística mais séria e respeitosa do nu.

4. Filosofia Artística

A fotografia de Laufer evita o explícito ou o puramente erótico, inclinando-se para o abstrato e o escultural. Para ele, o corpo humano é tratado quase como uma paisagem em si, onde sombras e luzes definem volumes e emoções.

Dave McEllistrum: A precisão dos números e a poesia do olhar

 Dave McEllistrum é um fotógrafo canadense, radicado em Toronto e Blue Mountains (Ontário), que se destaca pela transição bem-sucedida entre o mundo corporativo e a arte visual. Ele é frequentemente descrito como o "CPA com uma câmera", pois mantém uma carreira paralela como Contador Profissional Autônomo e Associado em uma firma de contabilidade (RLB).]

Abaixo estão os principais detalhes sobre sua trajetória e estilo:

1. Foco e Estilo Fotográfico

McEllistrum iniciou sua trajetória focando exclusivamente em paisagens por volta de 2011, mas expandiu seu portfólio para a fotografia de pessoas e nu artístico a partir de 2018.

• Temática: Seu trabalho busca capturar luz, emoção e narrativa. Ele transita entre cores vibrantes e o monocromático.

• Abordagem: Ele valoriza a criação de imagens que evoquem um estado de espírito ou contem uma história, fugindo do registro puramente documental.

2. Projetos Relevantes

• "Out of Place": Uma de suas séries mais conceituais, que explora sentimentos de desconexão e isolamento. O projeto utiliza a fotografia para abordar temas complexos como as lutas relacionadas à saúde mental através de metáforas visuais.
  

• Singhampton: Uma série dedicada a capturar a essência de locais específicos, integrando paisagem e atmosfera.

3. Reconhecimento e Prêmios

Dave acumulou diversos prêmios internacionais nos últimos anos, consolidando sua presença em competições de prestígio:

• Trierenberg Super Circuit: Já recebeu a medalha de ouro e o título de "Best in Show" na categoria de paisagens.

• WPE Awards: Vencedor de categoria e listado entre os 30 melhores fotógrafos do ano em 2022.

• 35Awards: Frequentemente figura entre as "Top Series" e o "Top 100" fotógrafos em competições globais.

• IPA (International Photography Awards): Recebeu seleções oficiais e menções honrosas por suas séries artísticas.

4. Atuação Profissional e Mentoria

Além da produção artística, ele é envolvido na comunidade fotográfica como mentor em eventos (como o Camp Create), onde compartilha sua experiência técnica e sua visão sobre como a fotografia pode ser uma ferramenta de expressão emocional.